절충주의 건축

절충주의는 하나의 작업이 이전의 역사적 스타일의 요소를 혼합하여 새롭고 독창적인 것을 만드는 19세기와 20세기 건축 양식이다. 건축과 인테리어 디자인에서, 이러한 요소에는 구조적 특징, 가구, 장식적 모티브, 뚜렷한 역사적 양식, 전통 문화 모티브 또는 다른 나라로부터 비롯된 스타일이 포함될 수 있으며, 혼합물은 일반적으로 프로젝트에 대한 적합성과 전반적인 미적 가치에 근거하여 선택된다.

Eclecticism is a 19th and 20th century architectural style in which a single piece of work incorporates a mixture of elements from previous historical styles to create something that is new and original. In architecture and interior design, these elements may include structural features, furniture, decorative motives, distinct historical ornament, traditional cultural motifs or styles from other countries, with the mixture usually chosen based on its suitability to the project and overall aesthetic value.

이 용어는 또한 클라이언트 또는 건축가 자신의 바람에 따라 다양한 스타일의 건물을 디자인한 19세기와 20세기 초반의 많은 건축가들에게도 사용되었다. 이 스타일은 전형적으로 복고적이었고, 각 건물은 선택한 스타일 또는 자체적으로 절충적인 혼합 내에서 대부분 또는 전체적으로 일관성이 있을 수 있다. 특히 교회에서 고딕 복고 건축은 특정 중세 시대와 지역에서 비교적 “순수한” 복고 양식을 추구하는 경향이 가장 강했던 반면, 신고전주의, 바로크, 팔라초 양식, 재커비던, 로마네스크 등 다른 복고 양식들은 좀 더 자유롭게 다루어지는 경향이 있었다.

The term is also used of the many architects of the 19th and early 20th centuries who designed buildings in a variety of styles according to the wishes of their clients, or their own. The styles were typically revivalist, and each building might be mostly or entirely consistent within the style selected, or itself an eclectic mixture. Gothic Revival architecture, especially in churches, was most likely to strive for a relatively “pure” revival style from a particular medieval period and region, while other revived styles such as Neoclassical, Baroque, Palazzo style, Jacobethan, Romanesque and many others were likely to be treated more freely.

역사

History

절충주의 건축은 19세기 후반에 등장했으며, 건축가들은 이전의 역사적 선례를 유지하면서도 전에 없던 디자인을 창조할 수 있는 양식을 추구했다. 과거 양식의 가능한 최대의 목록을 바탕으로 다양한 양식을 혼합하고 결합할 수 있는 능력은, 보다 자유로운 표현을 가능하게 했고, 무한한 영감의 원천을 제공했다. 다른 디자인 전문가들(소위 ‘부흥주의자’)이 과거 양식을 꼼꼼하게 모방하는 것을 목표로 삼았던 반면, 절충주의는 창조를 주된 동력으로 삼았다는 점에서 달랐다. 이는 향수에 의한 것이 아니라, 독창적인 디자인을 추구하려는 열망에서 비롯된 것이었다.

Eclecticist architecture came into practice during the late 19th century, as architects sought after a style that would allow them to retain previous historic precedent, but create unseen designs. From a complete catalogue of past styles, the ability to mix and combine styles allowed for more expressive freedom and provided an endless source of inspiration. Whilst other design professionals (referred to as ‘revivalists’) aimed to meticulously imitate past styles, Eclecticism differed, as the main driving force was creation, not nostalgia and there was a desire for the designs to be original.

유럽

Europe

절충주의 건축은 건축가들 사이에서 작업에 대해 더 많은 표현의 자유를 얻으려는 요구가 증가함에 따라, 프랑스(보자르 건축), 영국(빅토리아 건축), 독일(그륀더차이트; 창업 시대) 등 유럽 대륙 여러 나라에서 처음 등장했다.

Eclectic architecture first appeared across continental Europe in various countries such as France (Beaux-Arts architecture), England (Victorian architecture) and Germany (Gründerzeit), in response to the growing push amongst architects to have more expressive freedom over their work.

최초의 전문 건축 학교 중 하나로 여겨지는 파리의 에콜 데 보자르는 엄격하고 학문적인 방식으로 학생들을 훈련시켜 그들에게 기술과 전문적인 위신을 갖추도록 했다. 에콜의 교사진은 프랑스의 선도적인 건축가들이었고, 이 새로운 교육 방식은 매우 성공적이어서 전 세계의 학생들을 끌어들였다. 많은 졸업생들이 이 운동의 선구자가 되었으며, 보자르 교육을 새로운 절충주의적 디자인을 위한 기초로 활용했다.

The École des Beaux-Arts in Paris, considered to be one of the first professional architectural schools, trained students in a rigorous and academic manner, equipping them with skills and professional prestige. Teachers at the École were some of the leading architects in France, and this new method of teaching was so successful, that it attracted students from across the globe. Many of the graduates went on to become pioneers of the movement, and used their Beaux-Arts training as a foundation for new eclectic designs.

이러한 스타일의 건축 양식이 널리 퍼졌(고 당시 건설된 많은 시청에서 볼 수 있었)지만, 유럽에서의 절충주의는 미국에서 볼 수 있었던 것과 같은 수준의 열정을 달성하지는 못했다. ㅡ 오래된 정통 건축물들의 존재가 새로운 건물에서의 역사적 모방의 매력을 감소시킨다고 여겨졌기 때문이다.

Whilst the practise of this style of architecture was widespread (and could be seen in many of the town halls constructed at the time), eclecticism in Europe did not achieve the same level of enthusiasm that was seen in America – as it was assumed that the presence of old, authentic architecture, reduced the appeal of historical imitation in new buildings.

북미

North America

19세기 말에는 미국 건축에 중대한 변화가 있었다. 리처드 모리스 헌트(1827-1895)와 찰스 폴렌 매킴(1847-1909) 같은, 파리의 에콜 데 보자르에서 교육 받은 건축가들은 유럽에서 보자르 양식을 들여왔는데, 이는 미국 절충주의 건축의 초석으로 여겨졌다. 번영과 상업적인 자부심이 커지던 시대에, 전국의 대도시에서 많은 절충주의 건물들이 의뢰되었다. 이 양식은 과거 영국과 프랑스와 같은 유럽 귀족 건축에서만 볼 수 있었던 역사적인 요소들을 도입함으로써, 미국 건축에 더욱 풍부한 문화적·역사적 깊이를 더했다. 헌트와 다른 많은 절충적인 건축가의 경우, 그들의 ‘전형적으로 절충주의적인 관점’은 특정 프로젝트나 클라이언트에 맞게 스타일을 선택할 수 있게 만들어주었다. 이러한 유연한 적응력과 다양한 양식을 자유롭게 혼합시키는 능력이 절충주의 디자이너를 (그들의) 고객에게 더욱 매력적인 존재로 만들었다.

The end of the 19th century saw a profound shift in American Architecture. Architects educated at the École des Beaux-Arts in Paris, such as Richard Morris Hunt and Charles Follen McKim were responsible for bringing the beaux-arts approach back from Europe, which was said to be the cornerstone of eclectic architecture in America. At a time of increasing prosperity and commercial pride, many eclectic buildings were commissioned in large cities around the country. The style thrived, as it introduced historical features, previously only seen in the aristocratic architecture of European countries such as Britain and France, contributing to a richer sense of culture and history within America. In the case of Hunt and many other eclectic architects, his ‘typically eclectic viewpoint’ enabled him to make stylistic choices based on whatever suited the particular project or the client. This flexibility to adapt, and to blend freely between styles gave eclectic designers more appeal to clients.

고층 빌딩 및 교회, 법원, 시청, 공공 도서관, 영화관 같은 기타 대규모 공공 공간들이 조성되면서, 절충주의 디자인은 더 이상 상류층 구성원만을 위한 것이 아니라 일반 대중도 접할 수 있게 되었다. 이들 건물 중 (뉴욕시에 있는 원래의 펜실베니아 역과 최초의 매디슨 스퀘어 가든을 포함하여) 일부는 이후 철거되었지만, 이 시대의 남아 있는 프로젝트들은 여전히 미국에서 가장 중요한 건축물 중 일부로 평가받고 있다.

The creation of skyscrapers and other large public spaces such as churches, courthouses, city halls, public libraries and movie theatres, meant that eclectic design was no longer only for members of high-society, but was also accessible to the general public. While some of these buildings have since been demolished (including the original Pennsylvania station and the first Madison Square garden—both in New York City), projects that remain from this era are still valued as some of the most important structures in USA.

확산

Spread

절충적 디자인의 가장 극단적인 예는 (당시 해외 운송의 주요 수단이었던) 원양 정기선에서 볼 수 있었다. 호화로운 인테리어는 — 해외에서 여러 달 동안의 불편을 완화하고 확고한 웅장함의 환상을 만들기 위한 시도로 — 전통적인 스타일이 혼합되어 만들어졌다.

Some of the most extreme examples of eclectic design could be seen onboard ocean liners (which at the time were the primary form of overseas transport). The lavish interiors were crafted with a mix of traditional styles—in an attempt to ease the discomfort of months abroad and to create the illusion of established grandeur.

비슷한 시기에, 그러한 선박들은 식민지 주민들을 세계의 미개발 지역으로 수송하는 데 사용되었다. 그러한 지역들의 식민지화는 서구 세계의 절충주의 건축을 더욱 확산시켰는데, 새로 정착한 식민지 개척자들이 흔히 로마 고전주의와 고딕 모티브를 특징으로 하는 건축물을 지었기 때문이다.

At a similar time, such vessels were being used to transport colonists to undeveloped areas of the world. The colonisation of such areas, further spread the Eclectic architecture of the western world, as newly settled colonists built structures commonly featuring Roman classicism and Gothic motifs.

정도는 덜하지만, 미국 보자르의 영향을 받은 학교에서 훈련 받은 일본과 중국 건축가들이 아시아 전역에 걸쳐 절충주의 디자인을 생산하기 위해 돌아오면서 다쓰노 긴고의 일본 은행(1895)처럼 아시아 전역에 걸쳐 절충주의가 등장했다. 인도-사라센 리바이벌 건축은 인도 전통 건축, 주로 무굴 건축의 디테일을 서양식 공공 건물과 궁전에 더한 것으로, 본질적으로 절충적인 양식이었다. 대부분의 건축가는 영국인이었다.

To a lesser extent, Eclecticism appeared across Asia, as Japanese and Chinese architects who had trained at American Beaux-Arts influenced schools, returned to produce eclectic designs across Asia such as the Bank of Japan (1895) by Kingo Tatsuno. The so-called Indo-Saracenic Revival architecture, which added details from traditional Indian architecture, mostly Mughal architecture, to essentially Western forms of public buildings and palaces, was an inherently eclectic style. Most of the architects were British.

비판적 반응

Critical reception

너무 많은 창조적 자유를 제공하고 어떠한 지침도 없는 스타일이었기 때문에, 성공적이지 못한 디자인을 만들 위험은 모두에게 명백했다. 다양한 스타일을 조화롭게 혼합하는 데 실패한 프로젝트는 전문가들(특히 이 운동에 반대하는 사람들)의 비판을 받았다.

As a style that offered so much creative freedom, and no guiding rules, the risk of creating an unsuccessful design was apparent to all. Projects that failed to harmoniously blend the different styles were subject to criticism from professionals (particularly those who were against the movement).

쇠퇴

Decline

역사적 모방에 대한 열광은 1930년대 들어 쇠퇴하기 시작했고, 절충주의는 새로운 스타일을 선호하는 디자인 학교의 커리큘럼에서 단계적으로 폐지되었다. 레이트 모더니즘, 포스트모더니즘, 브루탈리즘, 아르데코로의 전환은 많은 사람들에게 아방가르드적인 것으로 여겨졌고, 당시  생산된 새로운 기술과 재료로 인해 더 큰 혁신이 가능했다. 절충주의에서 벗어나고 있음에도 불구하고, 이 시대는 이후 건축을 위한 “혁신과 새로운 형태의 문을 다시 열었다”는 점에서 여전히 역사적으로 중요한 의미를 지닌다.

Enthusiasm for historical imitation began to decline in the 1930s and eclecticism was phased out in the curriculums of design schools, in favour of a new style. The shift towards Late Modernism, Postmodernism, Brutalism and Art Deco was significant as it was seen by many as avant-garde and the new technology and materials being produced at the time allowed for greater innovation. Despite the move away from eclecticism, the era still remains historically significant as it “re-opened the doors to innovation and new forms” for architecture in the following years.

인테리어 디자인

Interior design

절충주의 건축의 부상은 알맞은 동반 인테리어를 연출하기 위해 과거의 역사적 스타일에 대한 기술, 이해, 지식을 갖춘 인테리어 전문가의 필요성을 야기했다. 이것은 인테리어 디자이너가 하나의 인정받는 전문 직종으로 부상하는 결과를 낳았다. 이 시대(19세기 말에서 20세기 초 사이)의 저명한 인테리어 디자이너로는 엘시 드 울프(1865-1950), 로즈 커밍(1887-1968), 낸시 매클렐런드(1877-1959), 엘시 콥 윌슨, 프랜시스 엘킨스(1888-1953), 시리 몸(1879-1955) 및 도로시 드레이퍼(1889-1969) 등이 있다. 이 초기 디자이너들의 고객은 부유한 가문과 기업으로만 구성되었지만, 이러한 장식가들의 작업은 《하우스 & 가든》, 《하우스 뷰티풀》, 《레이디스 홈 저널》 같은 인기 간행물에 정기적으로 소개되었다. 이 장엄한 집들의 호화로운 인테리어를 게시하는 것은 절충주의 스타일을 중산층에 전파하는 데 도움이 되었으며, 덜 사치스러운 모방이나 유사한 장식 요소의 통합은 가정 장식에서 바람직한 특징이 되었다. 미국 전역에서 지역마다 미적 선호가 달랐는데, 캘리포니아에서는 스페인 스타일이 선호되었고 뉴잉글랜드 지역에서는 아메리칸 콜로니얼 건축 양식의 요소들이 인기를 끌었다.

The rise in eclectic architecture created a need for interior specialists who had the skill, understanding and knowledge of past historical styles, in order to produce suitable accompanying interiors. This resulted in the emergence of interior designer as a regarded profession. Prominent interior designers in this era (between the late 19th and early 20th century) include Elsie De Wolfe, Rose Cumming, Nancy McClelland, Elsie Cobb Wilson, Frances Elkins, Syrie Maugham and Dorothy Draper. Whilst the clientele of these early designers consisted exclusively of wealthy families and businesses, the works of such decorators were regularly featured in popular publications such as House and Garden, House Beautiful, and the Ladies Home Journal. Publishing the lavish interiors of these magnificent homes helped to spread the eclectic style to the middle classes, and less extravagant imitations or the incorporation of similar decorative elements became a desirable feature in domestic decoration. Aesthetic preferences varied from region to region across America, with Spanish styles being favoured in California, and elements of American Colonial architecture being popular in New England.

현대적 맥락

Contemporary context

현대 사회에서, 다양한 문화적 및 역사적 양식에서 도출된 스타일들을 느슨하게 “절충주의적”이라고 묘사하지만, 문헌이나 미디어에서 절충주의 건축이라는 표현은 일반적으로 19세기 말부터 20세기 초의 절충주의 운동과 더불어 건설된 건물에 관한 것이다.

In contemporary society, styles that draw from many different cultural and historical styles are loosely described as “eclectic” though references to eclectic architecture within literature and media are usually about buildings constructed within the eclectic movement of the late 19th-early 20th century period.