비저너리 아키텍처

Visionary architecture

Table of contents

비저너리 아키텍처(비전 건축)는 종이 위에만 존재하거나 이상적이거나 비현실적인 특징을 보이는 디자인이다. 이 용어는 1960년 뉴욕 현대 미술관(MoMA)의 전시회에서 유래했다. 비전 건축가들은 그들의 실현 불가능한 작품이 오직 드로잉, 콜라주, 또는 모형으로만 존재하기 때문에 ‘페이퍼 아키텍트’라고도 알려져 있다. 그들의 디자인은 디자인 환경을 제외하고는 비현실적이거나 불가능한 독특하고 창의적인 개념을 보여준다.

Visionary architecture is a design that only exists on paper or displays idealistic or impractical qualities. The term originated from an exhibit at the Museum of Modern Art in 1960. Visionary architects are also known as paper architects because their improbable works exist only as drawings, collages, or models. Their designs show unique, creative concepts that are unrealistic or impossible except in the design environment.

전통적으로, ‘visionary’라는 용어는 성인이나 정신적으로 불안정한 사람처럼 현실 세계에 존재하지 않는 것을 보거나 환상을 보는 사람을 지칭한다. 따라서 비저너리 아키텍처라는 명칭은 다소 경멸적이며, 페이퍼 아키텍트들을 주류에서 소외시키는 데 사용되어 왔다. 그렇지만, 《포브스》의 한 기사에서는, “일반적인 건축이 우리가 살아가는 방식을 문자 그대로 형성하는 반면, 실현되지 않은 계획과 모형은 우리의 집단적 상상력을 위한 토대를 제공한다. 그것들은 대화를 위한 만남의 장소다.”라고 언급했다.

Traditionally, the term visionary refers to a person who has visions or sees things that do not exist in the real world, such as a saint or someone who is mentally unbalanced. Thus, visionary architecture as a label is somewhat pejorative and has been used to marginalize paper architects from the mainstream. However, an article in Forbes noted, “Whereas ordinary architecture literally shapes the way in which we live, unrealized plans and models provide infrastructure for our collective imagination. They are meeting places for conversation.”

2008년 코넬 대학교에서 열린 〈불신의 건축〉 심포지엄에서 비저너리 아키텍처에 대한 논의와 찬사가 있었다. 저명한 근현대 비저너리 아키텍트로는 에티엔-루이 불레, 피터 아이젠만, 자하 하디드, 렘 콜하스, 다니엘 리베스킨트, 안토니오 산텔리아, 레비우스 우즈 등이 있다.

Visionary architecture was discussed and celebrated at the Architecture of Disbelief symposium at Cornell University in 2008. Prominent modern and pre-modern visionary architects include Etienne-Louis Boullée, Peter Eisenman, Zaha Hadid, Rem Koolhaas, Daniel Libeskind, Antonio Sant’Elia, and Lebbeus Woods.

역사 및 초기 작업

History and early works

한스 프레데만 드 브리스의 〈로툰다 프로젝트〉. via Wikimedia Commons

르네상스 시대에 원근법의 도입으로 인해 건축 양식이 빠르게 발전했다. 이 발견은 건축가들이 상상 속의 건축 장면을 실험할 수 있게 했다. 많은 건축가들이 이 주제에 대해 글을 쓴 반면, 다른 건축가들은 자신의 개념과 아이디어를 드로잉으로 표현했다. 16세기에 네덜란드의 화가이자 건축가인 한스 프레데만 드 브리스(1527-1609)는 새로운 형태의 건축을 묘사한 수많은 판화를 제작했다. 그의 건축 디자인은 순수한 환상과 상상력의 산물이었으며—아방가르드적인 건축 공간이었다.

During the Renaissance, building styles evolved rapidly because of the introduction of perspective. This discovery allowed architects to experiment with imaginary architectural scenes. While many architects wrote on the subject, others articulated their concepts and ideas in their drawings. In the 16th century, a Dutch painter and architect, Jan Vredeman de Vries, produced numerous engravings that portrayed new forms of architecture. His architectural designs were pure fantasy and imagination—and avant-garde architectural spaces.

대부분의 건축가들은 축척을 확대하거나 축소할 수 있는 모형을 제작하여 추상적인 건축 스케치를 견고한 3차원 건물로 전환함으로써 건물을 상상하고, 보고, 정의한다. 축척 모형으로 구현되었을 때, 비전 디자인은 유토피아적이고 환상적인 것으로 여겨졌다. 비저너리 아키텍트들은 건물을 현실로 구현하는 대신, 축척 모형을 사용하여 환상과 상징적 의미를 통해 건물이 말하도록 한다.

Most architects imagine, see, and define buildings by fabricating models that can be scaled up and down, turning abstract architectural sketches into solid three-dimensional buildings. When turned into scaled models, visionary designs were considered utopian and fantastic. Rather than bringing the building into existence, visionary architects use scale models to make the building speak through a sense of fantasy and symbolic meanings.

조반니 바티스타 피라네시의 1761년판 ‘상상의 감옥’에서 나온 ‘연기 나는 불’. via Wikimedia Commons

일부 비저너리 아키텍트들은 드로잉이 “건축의 가장 고차원적인 형태이자 가장 명확한 표현”이라고 믿으며 모형 제작 과정을 완전히 생략했다. 조반니 바티스타 피라네시(1720-1778)는 18세기 최고의 판화가 중 한 명이었다. 피라네시는 상상 속 공간에 대한 그의 숙련도를 보여주는 건축 드로잉 판화를 제작했다. 피라네시의 드로잉은 드로잉에서만 구현 가능한 독창적이고 정교한 디테일을 포함하고 있으며, 이러한 요소들은 실제 건축물로 옮겨졌을 때는 사라지거나 재현될 수 없기 때문에 비저너리 아키텍처로 간주된다. 예를 들어, 1745년의 그의 작품 ‘상상의 감옥’은 미로 같은 기념비적인 공간들과 불가사의한 기계들을 묘사한다.

Some visionary architects skipped the model process entirely, believing that drawing is “the highest form and clearest expression of architecture.” Giovanni Battista Piranesi was one of the greatest printmakers of the 18th century. Piranesi made prints of his architectural drawings that show his mastery of imagined spaces. Piranesi’s drawings are visionary architecture because they included unique and intricate details that were only achievable in drawings and would be lost in translation to physical structures. For example, his Carceri d’invenzione or Imaginary Prisons from 1745 depicts labyrinthine monumental spaces and mysterious machines.

클로드 니콜라스 르두가 디자인한 수도국장 주택, 1773년경~1779년. via Wikimedia Commons

18세기의 비저너리 아키텍처는 “인간의 이해와 건축 기술 모두에 도전하는” 거대한 규모의 프로젝트를 중심으로 이루어졌다. 클로드 니콜라 르두(1736-1806)는 아르크-에-세낭의 왕립 염전 주변에 건설될 쇼 시티를 포함한 그의 유토피아적 디자인으로 유명하다. 르두는 쇼 전체에 대한 마스터플랜과 다양한 개별 건물의 건축 드로잉, 입면도 및 단면도를 개발했다. 르두는 또한 1773년경부터 1779년까지 루아르 강 유역의 수도국 국장을 위한 관 모양의 집을 디자인했다.

Visionary architecture of the 18th century centered around projects of immense size that “defied both man’s comprehension and his building techniques.” Claude Nicolas Ledoux is known for his utopian designs, including the City of Chaux around the Royal Saltworks at Arc-et-Senans. Ledoux developed an entire master plan for Chaux, along with architectural drawings, elevations, and sections of various individual buildings. Ledoux also designed a tube-shaped house for the director of the waterworks by the Loire river, c. 1773 to 1779.

장자크 르쾨가 디자인한 사냥터 문, 1800년경. via Wikimedia Commons

장자크 르쾨(1757-1826)는 초기 비저너리 아키텍트 중에서도 더욱 기이하고 충격적인 인물 중 한 명이다. 프랑스 혁명으로 인해 궁정 건축가가 될 기회가 사라진 후, 그는 공무원, 지도 제작자, 측량사, 제도사로 일했다. 그러나 그는 대부분의 시간을 출판되지 않은 논문인 「Architecture Civile」을 준비하는 데 보냈는데, 이 논문에는 장식, 건축 도면의 단편, 그리고 일련의 기발한 건축 디자인이 담겨 있다. 이들 디자인은 일반적으로 건물의 입면도나 단면도를 보여주지만, 전체 디자인을 보여주는 경우는 드물다. 그의 비저너리 디자인 중 하나는 소 모양의 마구간이었다.

Jean-Jacques Lequeu is one of the more eccentric and shocking of the early visionary architects. After the French Revolution ended his chance to become a palace architect, he worked as a civil servant, cartographer, surveyor, and draftsman. However, he spent most of his time preparing an unpublished treatise, Architecture Civile, which features ornaments, fragments of architectural drawings, and a series of fanciful architectural designs. These designs typically show an elevation or section of a building but rarely an entire design. One of his visionary designs was a stable shaped like a cow.

에티엔-루이 불레(1728-1799)는 18세기 비저너리 신고전주의 건축가였다. 그는 또한 국립교량도로공과대학 등에서 50년 동안 가르친 영향력 있는 건축 이론가였다. 그의 후기 작업에서 불레의 디자인은 기하학적 형태의 추상화를 보여주며, 불필요한 장식을 모두 제거하고 기하학적 형태를 거대한 규모로 확대했다. 그의 에세이 「신체 이론」에서 그는 큐브, 원통, 피라미드, 구와 같은 기하학적 형태의 속성과 그것들이 감각에 미치는 영향을 논했다. 그는 구를 “이상적인 형태”라고 믿었다.

Étienne-Louis Boullée was an 18th-century visionary neo-classical architect. He was also an influential architectural theorist because he taught at the École Nationale des Ponts et Chaussées and elsewhere for fifty years. Later in his career, Boullée’s designs showed an abstraction of geometric forms, removing all unnecessary ornamentation and inflating geometric shapes to a huge scale. In his La Théorie Des Corps, he discussed the properties of geometric forms such as the cube, cylinder, pyramid, and sphere and their effect on the senses. He believed the sphere was the “ideal form”.

초기 영화 산업은 건축에 영향을 미쳤으며, 특히 《메트로폴리스》와 《저스트 이매진》 같은 영화들은 정교하고 상상력 넘치며 미래적인 건축 세트로 큰 영향을 미쳤다. 휴 페리스(1889-1962)는 할리우드의 영향을 받은 비저너리 아키텍트 중 한 명이다. 그는 1929년 자신의 저서 『내일의 메트로폴리스』에 60점의 드로잉을 수록했다. 페리스는 이 책을 오늘날의 도시, 예상되는 트렌드, 그리고 상상의 메트로폴리스라는 세 부분으로 나누었다. 세 번째 섹션에서 그는 당시에는 건설이 불가능했던 높고 거대한 고층 빌딩과 교량 주거지가 있는 도시를 예측했다.

The early motion picture industry impacted architecture, especially the films Metropolis and Just Imagine, with their elaborate, imaginative, and futuristic architectural sets. Hugh Ferriss is one visionary architect who was influenced by Hollywood. He included sixty of his drawings in his 1929 book The Metropolis of Tomorrow. Ferriss divided his book into three sections: Cities of Today, Projected Trends, and An Imaginary Metropolis. In the third section, he predicts a city with tall, looming skyscrapers and bridge dwellings that were impossible to build at the time.

20세기에는 젊은 건축가들이 자신의 디자인을 실현할 희망이 거의 없었던 억압된 사회에서 비저너리 아키텍트가 표면화되었다. 20세기 초 비저너리 아키텍처는 독일 표현주의, 이탈리아 미래주의, 러시아 구성주의라는 세 가지 주요 운동으로 나뉜다. 독일인들은 제1차 세계대전 이후 비전적인 페이퍼 아키텍처로 눈을 돌렸다. 하나의 예로 1920년 브루노 타우트(1880-1938)가 디자인한, 레이더 같은 프로펠러가 달린 구형 구조물인 ‘Cosmic Carousel’이 있다. 안토니오 산텔리아(1888-1916)는 이탈리아 미래주의 운동의 영향력 있는 인물이었다; 그의 작업 대부분은 종이 위에만 존재했고 실제로 건설되지는 않았지만, 그는 다리와 탑으로 공간을 연결하는 산악과 같은 건물을 디자인했다.

In the 20th century, visionary architects surfaced in repressed societies where young architects had little hope of realizing their designs. Early 20th-century Visionary architecture is divided into three main movements: German expressionism, Italian futurism, and Russian constructivism. The Germans turned to visionary paper architecture after World War I. One example is the Bruno Taut design for the Cosmic Carousel in 1920, a spherical structure with radar-like propellers. Antonio Sant’Elia was an influencer of the futurism movement in Italy; although most of his work was on paper and was never built. He designed mountainous buildings with bridges and towers connecting spaces.

러시아 구성주의 또한 제1차 세계대전 이후 등장했으며, “격렬한 플래카드와 장내 방송 설비를 갖춘 오픈워크의 파빌리온 같은 구조”를 지향했다. 러시아 구성주의 디자인은 “다양한 요소들의 명백한 상징주의”와 거대한 건물을 지향하는 경향에서 18세기 비저너리 아키텍처 디자인과 관련이 있다. 이 양식의 뛰어난 예 중 하나는 각 층의 돌출부를 통한 거대한 크기와 기계화를 특징으로 하는 베스닌 형제의 소비에트 궁전 디자인이다. 또 다른 예는, 역시 베스닌 형제의 것으로, 간판과 뉴스 통신 장치로 덮인 “프라우다” 신문사 건물 제안이었다. 또한 블라디미르 타틀린(1885-1953)은 제3 인터내셔널 또는 코뮤니스트 인터내셔널을 위한 기념탑을 디자인했는데, 이는 베라 무히나(1889-1953)의 〈노동자와 집단 농장 여성〉 기념비 주위를 감싸는 높이 400m(1,300ft)의 회전하는 나선형 구조물이었다. 타틀린의 디자인은 러시아 혁명을 나선형으로 비유한 은유를 떠올리게 한다.

Russian constructivism also emerged after World War I, and leaned toward “openwork, pavilion-like structures with strident placards and public-address systems.” Russian constructivist designs relate to 18th-century visionary architectural designs in “the overt symbolism of their various elements” and a tendency toward immense buildings. One outstanding example of this style is the Vesnin brothers’ design for the Palace of the Soviets, with its immense size and mechanization through projections at each level. Another example, also by the Vesnin brothers, was the proposed building for Pravda covered in signboards and news communication instruments. In addition, Vladimir Tatlin designed a monument for the Third International or Communist International, a 1,300 feet (400 m) tall rotating spiral that wraps around Vera Mukhina’s Monument to Worker and Farmer. Tatlin’s design recalled the metaphor for the Russian Revolution as a spiral.

1960년, 아서 드렉슬러(1925-1987)는 뉴욕 현대 미술관(모마)에서 비저너리 아키텍트들의 디자인을 전시하는 전시회를 기획했다. 드렉슬러는 ‘비저너리 아키텍처’라는 이름을 붙였을 뿐만 아니라, 이 작업의 중요성에 대해서도 주의를 환기시켰다. 그는 전시회를 기하학, 산과 동굴, 도로 또는 다리라는 세 가지 테마를 기반으로 구성했다. 이 전시회에는 르코르뷔지에, 루이스 칸, 윌리엄 카타볼로스, 프레데릭 존 키슬러, 한스 푈치히, 파올로 솔레리, 그리고 마이클 웹의 건축 드로잉이 포함되었다.

In 1960, Arthur Drexler curated an exhibit at the Museum of Modern Art in New York City that showcased the designs of visionary architects. Drexler not only gave a name to visionary architecture, but he also called attention to the importance of this work. He organized the exhibit based on three themes: geometry, mountains and caves, and roads or bridges. The exhibition included architectural drawings of Le Corbusier, Louis Kahn, William Katavolos, Frederick John Kiesler, Hans Poelzig, Paolo Soleri, and Michael Webb.

메트로폴리탄 미술관은 1968년 “비저너리 아키텍츠” 전시회를 개최했다. 파리의 프랑스 국립 도서관의 장 아데마르(1908-1987)와 J. C. 르마니(1931-2023)가 이 전시회를 기획했다. 이 전시회에는 “동시대인들의 전통적인 아이디어에 저항했던” 18세기 후반 프랑스 건축가들의 건축 드로잉 147점이 포함되었다.

The Metropolitan Museum of Art hosted the “Visionary Architects” exhibit in 1968. Jean Adhemar and J. C. Lemagny of the Bibliothèque Nationale de France in Paris, curated this exhibit. It included 147 architectural drawings of late 18th-century French architects who “rebelled against the traditional ideas of their contemporaries.”

제2차 세계대전 이후

Post-World War II

비저너리 아키텍처는 제2차 세계대전 이후 확장되었다. 이 시기에, 비저너리 아키텍트들은 미래를 예측하거나 기존 구조물을 과장하고 왜곡하는 경향의 디자인을 창작했다.

Visionary architecture expanded after World War II. During this time, visionary architects tended to create designs that either anticipated the future or exaggerated and distorted existing structures.

아키그램 그룹

The Archigram Group

아키그램 그룹은 1961년부터 1974년까지 아방가르드 및 비전너리 건축을 탐구한 영국의 예술 집단이었다. 워렌 초크, 피터 쿡, 데니스 크롬튼, 데이비드 그린, 론 헤론, 그리고 마이클 웹이 참여했다. 그들의 작업은 클라이언트의 제약 없이 미래 도시 개발에 초점을 맞췄다. 케이프 커내버럴 방문은 그들의 많은 디자인에 영감을 주었다.

The Archigram Group was a British art collective that explored avant-garde and visionary architecture from 1961 to 1974. It included Warren Chalk, Peter Cook, Dennis Crompton, David Greene, Ron Herron, and Michael Webb. Their work focused on the future of urban development without the restraint of a client. A visit to Cape Kennedy inspired many of their designs.

아키그램의 가장 기상천외한 디자인 중 하나는 1964년 쿡의 〈플러그인 시티〉였다. 쿡은 공동 크레인을 통해 쉽게 재배치할 수 있는 이동식 주거 유닛 또는 포드를 구상했다. 소유자는 자신의 포드를 도시 주변으로 이동시키고 원하는 대로 기반 시설에 연결할 수 있었다. 헤론은 다리로 이동하여 쉽게 위치를 옮길 수 있기 때문에 고정된 위치가 없는 도시인, 〈워킹 시티〉를 고안했다. 아키그램의 작업은 거의 전적으로 비전적이었으며, 실제로 건설된 디자인은 로드 스튜어트를 위한 수영장과 버킹엄셔의 놀이터뿐이었다.

One of Archigram’s most outlandish designs was Cook’s Plug-In City from 1964. Cook envisioned moveable living units or pods easily relocated via communal cranes. The owner could move their pod around the city and plug it into the infrastructure at will. Herron came up with the Walking City, a city that did not have a fixed location because it could easily relocate by moving on its legs. Archigram’s work was almost exclusively visionary; its only constructed designs were a swimming pool for Rod Stewart and a playground in Buckinghamshire.

더글러스 다든

Douglas Darden

더글러스 다든은 하버드 디자인 대학원에서 석사 학위를 받고 파슨스 디자인 스쿨을 다닌 후 페이퍼 아키텍처 작업을 가르치고 출판하면서 경력을 시작했다. 그의 비저너리 디자인은 그가 내러티브 아키텍처라고 부른 것, 즉 문학 작품에서 영감을 받은 디자인을 선보였다. 하나의 예로 허먼 멜빌의 『모비 딕』에 대한 그의 사랑에서 영감을 받은 〈멜빌라〉를 위한 디자인이 있다. 그의 디자인은 종종 건축 원리의 안티테제(반정립)를 바탕으로 작업했기 때문에, 다든은 자신의 작업을 주변부 또는 “가장 취약한 부분”을 탐구하는 것으로 묘사했다. 그의 가장 잘 알려진 프로젝트 중 하나는 1993년 책 『안전 부적격 판정을 받은 건물: 한 건축가의 전-텍스트』이다.

After receiving a master’s degree from the Harvard School of Design and attending the Parsons School of Design, Douglas Darden began his career by teaching and publishing works of paper architecture. His visionary designs showed what he referred to as narrative architecture—designs inspired by works of literature. One example is his design for Melvilla, inspired by his love of Moby-Dick by Herman Melville. Because his designs were often executed by working from anti-theses of architectural principles, Darden described his work as exploring the margin or the “underbelly.” One of his best-known projects was the 1993 book, Condemned Building: An Architect’s Pre-Text.

피터 아이젠만

Peter Eisenman

피터 아이젠만은 해체주의 이론가로, 건축이 부조화스럽거나 심지어 비기능적이어야 한다고 믿는데, 이는 그래야 “사람들이 느끼기보다 생각하게 만들” 수 있기 때문이다. 그는 자신의 작업을 “카드보드 아키텍처”라고 불렀고, “나는 내가 디자인한 어떤 곳에서도 살지 않을 것이다”라고 말한 적이 있다. 그는 자신의 주장의 실체를 보여주는 일련의 실험적인 주택들을 디자인했는데, 그중 몇 채는 실제로 지어졌다. 예를 들어, 〈하우스 IV〉에는 식탁에 맞닿은 기둥이 있었고, 방 한가운데를 가로지르는 유리 띠 때문에 안방에 더블 침대를 놓는 것이 불가능했다.

Peter Eisenman is a deconstructivist theorist who believes that architecture should be disharmonious or even nonfunctional because this would “make people think rather than feel”. He called his work “cardboard architecture” and once said, “I would never live in anything I design.” He designed a series of experimental houses—several that were built—that showed the reality behind his statement. For example, House IV had a column that abutted the dining table and it was impossible to fit a double bed in the main bedroom because a glass strip ran through the center of the room.

그의 가장 야심찬 디자인은 산티아고데콤포스텔라에 있는 〈갈리시아 문화 도시〉였는데, 이는 주변 산들의 형태를 반영하여 풍경에서 솟아오르는 듯한 거대한 문화 복합 단지다. 그의 비전적이고 해체주의적인 스타일을 통합한 또 다른 프로젝트는 독일 베를린에 있는 〈학살된 유럽 유대인 추모비〉이다.

His most ambitious design was the City of Culture in Santiago de Compostela, a huge cultural complex that echoes the forms of the nearby mountains, appearing to roll up from the landscape. Another project incorporating his visionary, deconstructivist style is the Memorial to the Murdered Jews of Europe in Berlin, Germany.

헤르만 핀스테를린

Hermann Finsterlin

헤르만 핀스테를린(1887-1973)은 가장 급진적인 독일 표현주의 건축가 중 한 명으로, 건설 불가능하고 난해한 건물들을 제작한 것으로 유명하다. 그의 비저너리 드로잉은 특이한 유기적인 형태를 활용하여 원근법에 초점을 맞췄다. 핀스테를린의 건축 드로잉은 지금까지 개발된 가장 순수한 페이퍼 빌딩 중 하나이며, 그의 디자인은 형태에 반하기 때문에 시공하려면 독창적인 공학 기술이 필요할 것이다.

Hermann Finsterlin is one of the most radical German expressionist architects, known for producing unbuildable and obscure buildings. His visionary drawings focused on perspectives, playing with unusual organic shapes. Finsterlin’s architectural drawings are among the purest paper buildings ever developed and would require ingenious engineering to construct because his designs go against their form.

자하 하디드

Zaha Hadid

자하 하디드는 환상적인 모양의 해체주의 디자인으로 유명한 영국계 이라크인 건축가였다. 그녀의 기하학적 디자인은 움직임, 파편화, 불안정성의 느낌을 가지고 있다. 그렇지만, 1980년대와 1990년대에 그녀의 디자인 대부분은 건설되지 않았다. 그녀의 중요한 건축물 중 하나는 본질적으로 “수직적인 일련의 큐브와 보이드”인 미국 오하이오 주 신시내티에 있는 〈로이스 & 리처드 로젠탈 현대 미술관〉이다. 그녀는 또한 이탈리아 로마에 있는 〈국립 21세기 미술관〉(맥시)을 디자인했다.

Zaha Hadid was a British-Iraqi architect known for deconstructivist designs with fantastic shapes. Her geometric designs have a sense of movement, fragmentation, and instability. However, most of her designs from the 1980s and 1990s were not constructed. One of her significant buildings is the Lois & Richard Rosenthal Center for Contemporary Art in Cincinnati, Ohio, essentially “a vertical series of cubes and voids”. She also designed the MAXXI museum of contemporary art and architecture in Rome, Italy.

발터 요나스

Walter Jonas

발터 요나스(1910-1979)는 1970년대 서독을 위해 〈인트라폴리스〉를 디자인한 스위스-독일 화가다. 〈인트라폴리스〉는 깔때기 모양의 주거 유닛으로 이루어져 있으며, 동심원을 쌓아 만들었다. 요나스는 깔때기 모양의 건물이 지면과의 접촉을 최소화하여 “귀중한 토양을 보존”할 것이라고 말했다. 서독은 자금 부족으로 〈인트라폴리스〉를 건설하지 못했다. 한 필자는 “요나스의 깔때기는 도시 주택이 우리가 사는 도시로부터의 피난처여야 한다는 가정을 문제 삼고, 우리에게 더 전체론적인 선택지를 고려하도록 장려한다. 〈인트라폴리스〉는 우리의 경험과는 너무나 별나게 다르기 때문에 우리를 사로잡는다. 그것은 우리가 일상 환경의 내장된 가정에서 벗어나 방문할 수 있는 대체 현실에 속한다.”라고 언급한다.

Walter Jonas is a Swiss-German painter who designed Intrapolis for West Germany in the 1970s. Intrapolis consisted of housing units shaped like funnels and made of stacked concentric circles. Jonas said that his funnel-shaped buildings minimized ground contact and would “save valuable soil”. West Germany never built Intrapolis because it lacked the funds. One writer notes, “Jonas’s funnels question the assumption that urban residences ought to be refuges from the cities in which we live, and encourage us to consider more holistic options. The Intrapolis captivates us precisely because it’s so bizarrely different from anything in our experience. It belongs to an alternate reality that we can visit to escape the built-in assumptions of our everyday environment.”

렘 콜하스

Rem Koolhaas

렘 콜하스(1944-)는 1972년 뉴욕 맨해튼으로 이주하여 이 도시에 매료되었다. 그는 이 도시를 건설한 역동성을 탐구하기 시작했고, 그 결과 자신의 선언문인 『딜리리어스 뉴욕: 맨해튼을 위한 회고적 선언』을 발표하여 맨해터니즘 이론을 제시했다. 콜하스는 맨해튼의 “혼잡 문화”와 그 건축 사이의 공생 관계를 보았고, 건축이 문화를 생성한다고 주장했다. 그의 책은 또한 내러티브 시퀀스와 타이포그래피 레이아웃을 사용하여 공간을 효과적으로 모방하는 공간 프로젝트이기도 하다.

Rem Koolhaas moved to Manhattan, New York in 1972 where he developed a fascination with the city. He began to examine the dynamics that constructed the city, resulting in his manifesto, Delirious New York: A Retroactive Manifesto for Manhattan, which outlines his theory of Manhattanism. Koolhaas saw a symbiotic relationship between Manhattan’s “culture of congestion” and its architecture, arguing that the architecture generated the culture. His book is also a spatial project, using the narrative sequence and typographic layout to mimic the space effectively.

다니엘 리베스킨트

Daniel Libeskind

다니엘 리베스킨트(1946-)는 〈베를린 유대인 박물관〉과 〈세계 무역 센터 부지 재설계〉 프로젝트를 디자인했다. 이러한 프로젝트 이전에는 16년 동안 학계에 있었으며, 단 두 채의 건물만을 건설했다. 리베스킨트는 아름다움과 역사적, 문화적 맥락을 동시에 전달하는 건축물을 옹호한다. 그의 비저너리 아키텍처 디자인에는 파괴된 건물의 평면도와 막대 더미 스케치가 포함된다. 리베스킨트는 이러한 노력을 “공간 탐구”라고 부른다.

Daniel Libeskind designed the Jewish Museum Berlin and the World Trade Center site redesign. Before those projects, he was an academic for sixteen years and had designed only two constructed buildings. Libeskind advocates for buildings that are both beautiful and also communicate a historical and cultural context. His visionary architectural designs include floor plans of destroyed buildings and sketches of piles of sticks. Libeskind calls these efforts “exploring space”.

러시안 페이퍼 아키텍트

Russian paper architects

1980년대에 모스크바 건축대학 출신의 러시아 건축가 그룹이 등장했는데, 건축가 유리 아바쿠모프(1957-)가 ‘페이퍼 아키텍처’라고 부른 개념으로 하나로 뭉쳤다. 속어인 “페이퍼 아키텍처”는 건설에 부적합한 디자인 프로젝트를 지칭하는 부정적인 의미를 담고 있었다. 이 이들 비저너리 아키텍트들에는 알렉산드르 아사도프, 예브게니 아스, 유리 아바쿠모프, 알렉세이 바비킨, 미하일 벨로프, 알렉산드르 브로드스키, 미하일 필리포프, 세르게이 키셀레프, 예브게니 크루핀, 보리스 레비안트, 안드레이 미로신, 일리야 우트킨, 예브게니 벨리치킨 등이 포함된다.

In the 1980s, a group of Russian architects emerged from the Moscow Institute of Architecture, united by what architect Yuri Avvakumov dubbed paper architecture. The slang name “paper architecture” was meant to be negative, referring to design projects unfit for construction. These visionary architects included Alexander Asadov, Evgeni Ass, Yuri Avvakumov, Alexey Bavykin, Mikhail Belov, Alexander Brodsky, Mikhail Filippov, Sergei Kiselev, Evgeni Krupin, Boris Levyant, Andrei Miroshin, Ilya Utkin, and Evgeni Velichkin.

1980년대 소련에서, 건축은 경제와 이념적으로 통제된 국가에 의해 표준화되고 제한되었다. 페이퍼 아키텍처는 표현의 자유와 개인주의를 제공했다. 일부 페이퍼 아키텍트들은 조반니 바티스타 피라네시와 러시안 아방가르드로부터 영감을 받았다. 그들은 결코 건설되지 않을 것이라는 것을 알면서도 비전을 담은 디자인을 창조했다. 그럼에도 불구하고, 그들은 현실 도피주의자, 탈영병, 반체제 인사로 여겨졌다.

In the 1980s Soviet Union, architecture was standardized and limited by economics and the ideological controls of the state. Paper architecture offered freedom of expression and individualism. Some paper architects were inspired by Giovanni Battista Piranesi and the Russian avant-garde. They created visionary designs that they knew were never going to be constructed. Nevertheless, they were considered escapists, deserters, and dissidents.

1981년, 이 건축가들은 건축가연맹의 새로운 지도부와 협력하여 처음으로 국제 건축 공모전에 참가할 수 있는 허가를 받았다. 페이퍼 아키텍트들이 1981년부터 1989년 사이에 50개의 공모전에서 우승하자, 그들의 비저너리 아키텍처는 소련 내에서 찬사를 받기 시작했다. 1992년, 모스크바 건축대학은 “종이 건축. 모교”라는 전시회를 개최했다. 전시회 이후, SBS 은행은 건축 드로잉을 구입했으며, 10년 후 그 도면들은 러시아 박물관의 소장품에 추가되었다. 페이퍼 아키텍트들의 작업 중 하나는 아바쿠모프의 〈페레스트로이카 탑〉으로, 이는 타틀린의 〈제3인터내셔널 기념탑〉을 아이러니하게 회상하는 작업이다. 아바쿠모프는 이 디자인을 1990년 러시아 박물관의 “임시 기념물”이라는 전시회를 위해 제작했다.

In 1981, these architects worked with new leadership at the Union of Architects, receiving permission to participate in international competitions for the first time. When the paper architects won fifty competitions between 1981 and 1989, their visionary architecture began to be applauded within the Soviet Union. In 1992, the Moscow Institute of Architecture hosted the exhibit “Paper Architecture. Alma Mater”. After the exhibition, SBS Bank purchased the architectural drawings; ten years later, the drawings were added to the collection of a Russian museum. One work by the paper architects is Avvakumov’s Tower of Perestroika, an ironic reminiscence of Tatlin’s Monument to the Third International. Avvakumov created this design for a 1990 exhibit at the Russian Museum called “Temporary Monuments”.

1990년대 초, 소련은 건축가의 40%를 해고했다. 이들 중 많은 건축가들은 개인 사무실을 설립하고 자신들의 창의력을 실제 건축물에 활용했다.

In the early 1990s, the Soviet Union fired forty percent of its architects. Many of these architects established private practices and used their creativity for actual buildings.

레비우스 우즈

Lebbeus Woods

1960년대에 핀란드계 미국인 건축가 에로 사리넨(1910-1961)과 함께 작업한 후, 미국 건축가 레비우스 우즈는 1976년경 비저너리 아키텍처로 방향을 틀었다. 그는 베를린, 파리, 아바나, 사라예보, 그리고 비엔나와 같은 도시들을 재상상하는 일련의 드로잉과 모형들을 제작했다. 2012년 사망할 때까지 그는 쿠퍼 유니온과 다른 기관에서 교수로 재직하며 “컬트” 추종자를 키웠다. 그는 또한 자신의 아이디어와 성찰을 담은 블로그를 운영했다. 그는 “건축은 해결하는 문제뿐만 아니라 만들어내는 문제로도 판단되어야 한다”고 말했다.

After working with the Finnish-American architect Eero Saarinen in the 1960s, the American architect Lebbeus Woods turned to visionary architecture around 1976. He produced a body of drawings and models that reimagine cities like Berlin, Paris, Havana, Sarajevo, and Vienna. Until his death in 2012, he was a professor at Cooper Union and other institutions, growing a “cult” of followers. He also maintained a blog for his ideas and reflections. He said, “Architecture should be judged not only by the problems it solves, but by the problems it creates.”

《가디언》지는 우즈가 “조각난 표면과 뒤틀린 철사 같은 형태의 역동적인 구성을 창조했으며, 그의 환상적인 장면들은 지구의 지각 아래 꿈틀거리는 평행 우주를 엿볼 수 있는 대안 세계를 묘사했다”고 언급했다. 그의 비전을 담은 디자인 중 하나는 “지구 주위를 빛의 광선을 타고 여행할” 알베르트 아인슈타인의 묘비였다. 그의 디자인 중 단 하나만이 실제 건물로 구현되었는데, 이는 중국 청두에 있는 스티븐 홀의 거대한 타워 복합 단지 내에 있는 〈빛의 파빌리온〉이다. 2012년에 완공된 〈빛의 파빌리온〉은 강철 막대에 매달린 유리 위를 걸어서 들어갈 수 있는 거대한 빛의 광선을 포함한다.

The Guardian noted that Woods created, “Dynamic compositions of splintered surfaces and twisted wiry forms, his fantastical scenes depicted alternative worlds, glimpses into a parallel universe writhing beneath the earth’s crust.” One of his visionary designs was for Albert Einstein’s tomb which would “travel on a beam of light around the Earth.” Only one of his designs resulted in a physical building—the Light Pavilion within Steven Holl’s vast complex of towers in Chengdu, China. Completed in 2012, the Light Pavilion includes huge beams of light entered by walking on glass suspended by steel rods.

페터 춤토르

Peter Zumthor

스위스 건축가 페터 춤토르는 비저너리 아키텍처 분야에서 중요한 인물이다. 1998년 건축 선언문 『Thinking Architecture』에서 춤토르는 성공적인 건축을 결정하는 데 있어 감정과 경험의 중요성을 논했다. 그는 건물의 아름다움은 형태에 있는 것이 아니라, 그것이 만들어내는 감각과 감정에 있다고 믿는다. 그의 작업은 건축이 직접 경험되어야 한다는 그의 철학적 신념 때문에 대부분 출판되지 않았다.

Swiss architect Peter Zumthor is a significant figure who works in visionary architecture. In his 1998 architectural manifesto Thinking Architecture, Zumthor discussed the significance of emotion and experience in determining successful architecture. He believes that a building’s beauty is not in its shape, but in the sensations and emotions, it creates. His work was mostly unpublished because of his philosophical belief that architecture should be experienced firsthand.